Riviera

Riviera
5.8
Riviera Georgina es una mujer del medio oeste que se casó con Constantine Clio, un hombre multimillonario. Georgina comienza a vivir un cuento de hadas que, lamentablemente, no dura. Después de un año de matrimonio, su vida se hace pedazos cuando Constantine fallece en una misteriosa explosión a bordo del yate de un traficante de armas ruso. Georgina se propone descubrir que fue lo que pasó, porque piensa que hay algo más en la muerte de su marido. Es así cómo entra en un juego peligroso lleno de mentiras, dobles sentidos y crímenes al que deberá adaptarse rápidamente para poder sobrevivir y proteger tanto a su familia como su fortuna. de Riviera Riviera Critica Serie con buena pinta y algunos buenos actores -no todos, no hija no- que tiene aires de folletín de los 80 adaptados a la temática digerible de 2017. Con el veterano Neil Jordan como creador, nos plantea la situación familiar peculiar de una familia millonaria ante la muerte inesperada de su opaco cabecilla y progenitor. La mayor parte del tiempo estamos junto a su viuda, una Julia Stiles que estaba un poco fuera de foco tras un arranque de carrera prometedor, no sustentado por una belleza evidente si no mas bien por una mirada inteligente y una capacidad actoral contrastable. LaPaglia y Olin son los veteranos que aportan empaque a un resto de elenco bastante flojo en sus personajes más jóvenes, alguno ciertamente sobreactuado. Por último, en un corto papel secundario aparece casi irreconocible el otrora guaperas francés Vincent Perez en un rol verdaderamente residual. Imágenes de lujo de la riviera francesa, intrigas del Este que siempre son socorridas y bastantes lugares comunes que no le favorecen en nada. Recomendable? No lo se a ciencia cierta. Puede que os guste más que a mi, o seáis inmisericordes con las carencias que tiene.
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3 generaciones

Comedia Drama
6.5

3 generaciones Ray (Elle Fanning) es un adolescente transgénero que decide someterse a una operación de cambio de sexo. Maggie (Naomi Watts), su madre soltera, debe encontrar al padre biológico de Ray para conseguir su consentimiento legal para la operación. Dolly (Susan Sarandon), la abuela de Ray, no acepta que ahora tiene un nieto. Juntas tendrán que confrontar sus identidades y abrazar su fuerza como familia para llegar a la aceptación y el entendimiento. 3 generaciones Critica About Ray( me parece más acertado el título en su idioma original) no viene a cambiar nada; eso sí, nos cuenta una historia nueva. O al menos relativamente reciente, sobre diferentes tipos de familia y de personas. Porque vivimos en el siglo XXI y ya es tiempo que los medio de comunicación, que el cine y televisión hagan de plataforma para dar a conocer estas nuevas formas que tan sólo se diferencias en el envoltorio, puesto que el contenido es el mismo (a pesar del odio de sus detractores). Ante todo tengo que decir que la historia me llegó, me la creía de cabeza a pies y me pareció muy sincera. Naomi Watts como madre siempre me convence, sabe transmitir ese tipo de dulzor, de amor tierno, sincero y desinteresado siempre que tiene la oportunidad( espero que no le pese el estigma). Susan Sarandon y el resto del reparto lo hacen bien, sin nada destacar. Por último os diré que me costó pensar en que Elle Fanning fuese realmente ella y no él. Cada movimiento, cada gesto por pequeño que sea lo borda. Parecía que Dakota iba por delante de ella en el terreno de la actución, pero Elle le ha desbancado sobradamente, no me parecería extraño que antes de que tuviese la total mayoría de edad en EEUU se ganase alguna nominación al Oscar. A lo largo de la película se nos muestra un pedazo de las vidas de esta familia: 3 generaciones conviviendo en un mismo hogar. La madre de Maggie vive con su mujer, Maggie está soltera(la madre de Ray) y luego tenemos al joven protagonista: Ray. Hay una mordaz crítica al feminismo de la segunda ola encarnada en la pareja de lesbianas matriarcas con sus problemas a la hora de aceptar la transición del joven. No logran comprender como simplemente no puede identificarse como una lesbiana butch("machorro"), ni acaban de entender el atractivo de querer convertirse en un hombre. No asimilan que Ray siempre fue un hombre nacido en una piel que no era la suya. La teoría queer de Judith Butler(3ª ola) se les antoja algo muy lejano a ambas mujeres. Como feminista no me acaba de convencer este punto de la película, pero es un debate real y no está mal que se muestre esta visión. Para mi gusto he echado en falta más escenas con la perspectiva de Ray, con todo su microcosmos y en particular con las relaciones de amistad/amor que mantiene. Pero como una de las pocas aproximaciones a la transición de mujer a hombre en el cine, no está nada mal. Otras series y películas tratan el caso inverso, el de transicionar de hombre a mujer, olvidando siempre el reverso de la moneda. Hay que sensibilizar y visibilizar todo el arco iris, no solo un color determinado. En resumen, About Ray es un canto al amor, a la familia, a la aceptación y a la comprensión. Ojalá se comiencen a realizar más de este tipo de películas, dedicadas a un público mainstream, con actores y actrices sobradamente conocidos y más que válidos.

Nostalgia

Drama
6.5

Nostalgia Se centra en un grupo de personas que están conectadas a través de la pérdida y analiza cómo la gente encuentra amor y consuelo a través de los recuerdos y los objetos que comparten entre sí. Nostalgia Critica “Nostalgia” tiene muy buena crítica porque es muy imperfecta. Esta obra, dirigida por un tal Mark Pellington, está repleta de buenas intenciones muy mal enfocadas, y aborda un tema interesante pero no cuenta con la destreza necesaria a la hora de tratarlo. Puede que no sea una tortura china, pero si es una película que nos muestra una de las peores caras del séptimo arte: la del cine MAL HECHO. Pero vamos poco a poco… La película comienza con una interpretación sumamente natural, que parece más cercana a una entrevista para un documental que a la ficción. Incluso tras ese pequeño dialogo nos deja unos segundos en los que su lenguaje parece querer narrar algo: Existe un marcado juego de color y de composición que vaticina una obra cuidada en lo estético, protagonizada por un personaje peculiar que atraerá nuestra atención relativamente pronto. Pero TODAS estas sensaciones se van diluyendo conforme avanza la trama, en una especie de montaña rusa sin término medio: a veces funciona sobradamente y a veces se precipita sin compasión en lo más bajo. La historia está compuesta por un conjunto de personajes que han perdido a alguien importante de sus vidas, y que tienden a representarlo y a mantener su recuerdo a través de los objetos. Para tratar todo esto, su creador se ha decantado por diseñar un argumento en el que se cruzan un buen número de personajes, cada uno con su historia, su evolución y sus movidas. Esta dinámica podría ser interesante, pero está fatal llevada: en primer lugar, porque no somos conscientes de la dinámica hasta que no ha avanzado el film lo suficiente como para que ya conozcamos a tres personas; personas que es fácil que ignoremos pensando que serán abordadas en profundidad más adelante. Somos seres que ven MUCHOS productos audiovisuales, y sus códigos y sus férreas estructuras se encuentran marcadas en nuestro ADN a fuego, impidiendo que las propuestas que rompen esas tónicas lo hagan nada más empezar. En “Nostalgia” ocurre esto, y nos vuelca en sus primeros compases sin apenas hablarnos del que parece protagonista, y hablándonos mucho de una trama que se abandona antes del primer tercio de la historia y que sirve de introducción. Además, se trata de una trama de poco interés real, que entremezcla un drama familiar excesivamente complejo como para ser tratado en veinte minutos. Después la cosa se anima con el interesante personaje de Ellen Burstyn, de lo más reseñable de la película, y ésta toma el relevo del personaje principal, abandonándolo sin dejar rastro. Cuando nos acostumbremos a ella, saltaremos a otro, y luego a otro, y a otro, y a… VALE, NO HAY TANTOS pero ya pilláis la dinámica. Cuando comencemos a empatizar con alguien deberemos despedirnos de él para que la obra continúe su caprichoso relato, sin rastro alguno de una trama “madre” que unifique la narración hasta el final. Además, la forma de enfocarlo es PATOSA. A grandes rasgos, vamos saltando de monologo sentimentaloide a monólogo sentimentaloide sin compasión alguna, en un ejercicio absurdamente dramático que cede absolutamente TODO el puto protagonismo al personaje en pantalla, manteniendo su intervención en un estúpido primer plano fijo en su rostro. La estructura, vista en conjunto, da risa: introducción de la situación, monologazo densito, desenlace y NEXT. Además, el señor Pellington no cuenta ni con la imaginación ni con la habilidad necesaria como para camuflar este inconveniente, y no dejo de imaginarlo deshaciéndose en halagos hacia unos actores que hacen lo que pueden, pero que se encuentran lejos de suplir los estándares más bajos. Dentro de lo malo, existen pequeños rayos de luz que salvan a “Nostalgia” del abismo. En primer lugar, la pequeña trama de la mencionada Ellen Burstyn, que funciona sobradamente e incluso se atreve a explotar una alternativa estética en la que el director SÍ que puede llegar a convencernos. Su personaje y su conflicto es interesante, se encuentra super bien planteado y está muy bien defendido por la actriz, logrando que sea el momento que la película nos atrapa –ligeramente-. Os lo juro: si no llega a ser por ella, la habría quitado. Por otro lado, tenemos el personaje de Mickey Madison, que protagoniza una de las mejores escenas del film. Tras una secuencia en la que Pellington se ve desbordado de TANTO PUTO DRAMA, la obra frena, respira, reordena y enfoca la tragedia desde un punto de vista original y, al mismo tiempo, demoledor. En esos segundos que parecen más fortuitos que intencionales, “Nostalgia” nos muestra todo su potencial en un último esfuerzo por cautivarnos, y lo consigue. Siento haber ignorado todo lo que no era guion, pero es que este departamento es uno de sus pilares. El resto de departamentos están ahí, sí, pero no nos ofrecen nada lo suficientemente bueno/malo como para destacar. Quizá debería aplaudir la banda sonora, que enfatiza y sabe darle tono a una obra fallida en su forma y es su contenido, muy cercana al aburrimiento más absoluto. Quizá sepa llegar a quiénes se encuentren en situaciones similares, o quizá su final justifique haberse tragado toooodo el desarrollo; pero a priori no encuentro ningún motivo por el que esta obra le pueda interesar a una persona mentalmente sana.

Un lugar tranquilo

Ciencia ficción Drama Terror
7.3

Un lugar tranquilo Evelyn y Lee Abbott son una pareja con tres hijos que vive una granja aislada de toda civilización al norte de Nueva York. Esta familia ha sobrevivido durante meses en un mundo invadido y amenazado por mortales criaturas extraterrestres que se guían por el sonido para cazar. En este contexto en el que una palabra puede significar la muerte, la familia Abbott vive silenciosamente, andan descalzos y se comunican por medio del lenguaje de señas. Un lugar tranquilo Critica John Krasinski ha entregado la mejor película de terror de los últimos años con esta 'Un lugar tranquilo (A Quiet Place)' gracias en mayor medida a ser fiel a su esencia en todo momento: ser una película de escala pequeña pero de emociones grandes gracias a estar protagonizada por personajes con los que nos identificamos y que nos importan. El preocuparnos por alguien que esté en peligro, el convertir algo tan cotidiano y presuntamente inevitable como el ruido en la verdadera amenaza de la película o el plantear tan bien un escenario tenebrosamente cerca de nuestros tiempos (2020, por la película) que aunque tenga a monstruos como teloneros de fondo nos entra como real es lo que hace a esta película tan buena. La película se marca un 'Dunkerque (Dunkirk)' y arranca en el meollo de la cuestión. Si bien lanza pistas y utiliza el clásico efecto de los recortes de periódico cortados aquí y allá para darnos algo de contexto, esto lo veo personalmente como un acierto pues al limitar las respuestas provoca más angustia. El miedo a lo desconocido es algo primario en todos nosotros. También el mantenernos en jaque y cruzando los dedos porque nadie haga ruido -pues el más mínimo ruido, significa la muerte- es la idea más brillante que se ha tenido en estos tiempos, así como lo que nos mantiene en asfixiante tensión contenida. Y muy a tenor de lo anterior, los monstruos aparecen. Sí. Pero la película juega de forma magistral a sugerir y no mostrar tanto al principio. No se puede introducir algo desconocido y amenazante a golpe y porrazo. Va enseñándolos poco a poco, a la par que nos presenta a esta familia -con sus deseos, sus traumas, su esperanza por sobrevivir y mantenerse unida en ese mundo- y las reglas de la película -los sonidos, la frecuencia en cómo se oyen o no, trucos sorprendentes para despistar-, hasta que cuando la tensión estalla en los últimos 40 minutos de película, el festival de suspense y terror desvela todas sus cartas -y con ellas, el diseño de la criatura: muy original y digno de pesadilla-. Tomad en serio lo de "quiet" o silencioso traducido del inglés. En esta película las voces de la mayoría de sus protagonistas sólo suenan dos veces contadas. El resto es lenguaje de signos subtitulado y efectos de sonido acompasados por una banda sonora a cargo de un Marco Beltrami que con 'Logan' y ésta película parece estar en estado de gracia. Tal vez esto genere una división de opiniones (puede que haya gente muy suya que se aburra porque nadie hable o apenas se oiga nada, así como que se sienta decepcionada por ello) y me huelo que tal vez haya maleducados en el cine fastidiando el juego que la cinta propone que te hagas partícipe: en el de mantenerte en el mismo silencio de la historia (espero de verdad que nadie os fastidie la experiencia con ruidos de palomitas, comidas, bolsas, móviles o tontadas, porque esta película es de ver en cine sí o sí). Aunque esto último también es ampararse en que la audiencia de esta película sea gente adulta o lo suficientemente madura. Sólo espero que tengáis suerte en ese aspecto y que la gente se lo tome en serio. Desde un prólogo inicial de 10 minutos que es toda una declaración de intenciones (el cual podría ser un espeluznante cortometraje en sí mismo) hasta su recta final de infarto puro y duro, 'Un lugar tranquilo' es una de las visitas al cine más nerviosas y angustiosas de los últimos años. Puede que haya algún que otro detalle que uno pueda rebatir con respecto a la historia. Pero los personajes hablan por sí solos a través de sus acciones y sus miradas, nos llevan a través de la historia de forma sensacional y no se olvidan para nada ni del corazón (la relación padre-hija y su posterior y emocionante resolución) ni del alma (el matrimonio). Es la única película de terror en la que he estado a punto de llorar, la única en la que al cabo de 10 minutos de empezar ya estaba hecho pedazos y la única desde 'El resplandor' en la que no había sentido tanta urgencia y terror en una escena ambientada en un cuarto de baño -en concreto, la bañera-. Con unas interpretaciones magistrales (cabe destacar que la hija sorda en la película es sorda en la vida real, quien enseñaba lenguaje de signos durante el rodaje), una dirección perfecta, un guión de hierro y un desenlace de ponerse en pie y aplaudir, esta película es un triunfo que no deberías perderte.

7 días en Entebbe

Crimen Drama Suspense
5.8

7 días en Entebbe El 27 de junio de 1976 un avión procedente de Tel Aviv es secuestrado. Los terroristas piden la liberación de los presos palestinos en Israel, con la amenaza de asesinar a los pasajeros del avión, convertido en rehenes. El avión aterrizó en Entebbe, Uganda, donde tuvo lugar una de las operaciones de rescate más impactantes de la historia reciente. 7 días en Entebbe Critica El film recrea el secuestro de un avión por parte de un grupo extremista alemán en 1976. Resulta llamativo ver el funcionamiento del servicio secreto israelí en una época que hoy en día parece ya prehistórica a nivel tecnológico, aunque solo hayan pasado 40 años. Nuestro internacional Daniel Brühl es uno de los protagonistas. Es un buen actor que nunca he tenido claro cómo ha logrado dar el salto a Hollywood con tanto éxito, pero me alegro por él. Rosamund Pike es su compañera de reparto. Parece que el éxito de “Perdida” le ha venido bien a la actriz, para obtener papeles más importantes que los que hacía antes de la de David Fincher. La ambientación de los años 70 está lograda, y doy por hecho que la película documenta a la perfección los hechos. Pero por desgracia, el resultado final de la película se queda a medias. Le veo dos fallos garrafales que hacen que solo me conforme con darle un 5. Primeramente, al secuestro en sí no han sabido darle la más mínima emoción. Todos están la mayor parte del tiempo demasiado tranquilos, tanto los rehenes como los secuestradores. Apenas hay nerviosismo ni tensión en prácticamente toda la película. Está todo tan calmado que ni empatizo con nadie, ni temo por la vida de los pasajeros. No es que haya síndrome de Estocolmo, es que parece que la hayan hecho con pocas ganas de esforzarse en imprimir emoción. Parece que estuvieran en un bar, más que en una situación de vida o muerte. Que me perdonen los detractores de Chuck Norris, pero hasta en “Delta force” los terroristas hacían honor a su nombre (dando miedo), mucho más que lo que se puede ver aquí. Y en segundo lugar, se cargan bestialmente la que podría haber sido la secuencia más interesante del film, que es la del final. La alternancia de lo que sucede en Entebbe con la coreografía de danza (y una música bastante fea, por cierto) de la mujer del soldado israelí, es un completo esperpento. No le veo el más mínimo sentido ni a nivel simbólico ni a nivel estético. Si querían representar algo con eso, lo único que han conseguido es romper el ritmo de la única escena que podría haber tenido más interés. Así que, solo por esos dos motivos, la catalogo como pasable y nada más.

Braven (El Leñador)

Acción Drama
6

Braven (El Leñador) Joe Braven, un humilde leñador que vive cerca de la frontera entre los Estados Unidos y Canadá, es atacado por un grupo de narcotraficantes. A partir de ese momento hará todo lo que esté en su mano para proteger a su familia. Braven (El Leñador) Critica La historia. Leñador y famila (padre con demencia incipiente incluido) contra unos capos locales de la droga. Bosques, nieve, algún acantilado... ¿les suena? Temática manida, mordisqueada, usada y reusada. Personajes. Pues el Momoa no sabe llorar. No le den esos disgustos dramáticos, que lo suyo es poner cara de tipo duro. Aquí intenta aparentar angustia con algunas muecas que se quedan a mitad de camino. Lo demás de su personaje, esperable y nada del otro mundo. Luego está el padre, que se va olvidando de dónde pone las cosas, quién es quién en esa casa, y la excusa se puede extender a olvidar el guion. Los malos son penosos, de nivel película serie B canadiense. Ah, esperen, que esta peli es de Canad... Final. Después de un desarrollo que se ve con mucha pereza dados los pocos alicientes que promete la película, lo más alucinante se nos presenta al final. El desenlace y las artimañas del protagonista consiguieron dejarme con la boca abierta. Y no es para menos. ¿A quién se le habrá ocurrido semejante broche final?

Llega de noche

Drama Misterio Terror
5.8

Llega de noche Protegido en un hogar seguro ante un peligro sobrenatural que aterroriza al mundo, un hombre ha establecido un frágil orden doméstico con su mujer y su hijo. Pero todo se tambalea ante la llegada de una joven familia desesperada en busca de refugio. Llega de noche Critica Antes que nada, aviso a navegantes: esto no es una película de terror. O, por lo menos, no es la película de terror que está vendiendo su marketing, tan habilidoso como erróneo, acerca de una infección que deja a la gente muy tocada y vomitando chapapote. Algunos dirán que es un filme que solo apreciarán unos pocos (el irritante "es un gusto adquirido" que tanto daño hace a la crítica cinematográfica); los engañados por su marketing dirán que es una mierda, y se quedarán tan anchos. Y, por una vez, ni tanto ni tan calvo. Quiero creer que Trey Edward Shults es un tipo inteligente, y se le ha ocurrido algo pocas veces visto: ha concebido un drama de convivencia como un terrorífico relato de madrugadas inquietantes y linternas en la oscuridad, que aumenta su efectividad por millones cuanto menos sabemos qué peligros encierra. No seré yo quien le quite la razón, principalmente porque su apuesta funciona, gracias a un habilidoso manejo de la tensión y buenos actores, pero se joroba a veces el invento cuando tiene que meter sustos arbitrarios de subidón de volumen, y al menos la mitad de estos dependen de "traicionar" la narración por meter ensoñaciones de perturbadoras imágenes. Da la sensación de que se está intentando ir más allá de los límites del género, y es más que bienvenido el intento, pero cuando ves que la película es solo "eso"... pues queda un poco insatisfactorio todo, como si se hubiera complicado mucho algo que era muy sencillo. Tal cual está, 'Llega de Noche' es una película de terror fallida, aunque por suerte esa no parece su única intención: la historia que de verdad late aquí es la de la familia conformada por Paul, Sarah y Travis, que ven su rígida disciplina trastocada por extraños, los primeros que han visto después de mucho tiempo de silencio e infección. Son todo lo que ellos ya no son, una pareja joven con un niño todavía inocente, y la convivencia con pareja madura y chaval adolescente funciona porque traen una alegría que estos ya no tenían, aunque no se nos escape un padre notando como otro empieza a cuidar bien de su hijo, o a ese mismo hijo con hormonas en ebullición atraído por una mujer bella y joven. Todo está todo lo bien que debería... aunque otra sensación sigue latiendo por debajo, punteada por la música, agazapada al verles reír y confraternizar. Trey Edward Shults, respecto a eso, utiliza la noche como catalizador para que las desconfianzas salgan a la luz: son muchos los momentos en los que acompañamos a los personajes en una penumbra devoradora y negrísima, con apenas una débil fuente de luz para iluminar las sombras, que nunca parecen más aterradoras que cuando se las enfoca. El director nos hace ansiar la claridad, agradecer los pocos momentos en los que salimos a cielo abierto, y sin embargo aprovecha la confusión de la nocturnidad, cuando las madrugadas parecen alargarse dentro de esa casa tapiada, y empezamos a confundir sueño con realidad. ¿De verdad se está oyendo algo afuera? ¿Se ha abierto la puerta? ¿Cómo ha sucedido algo que apenas nadie ha alcanzado a ver? Ante las preguntas y la paranoia, ambas familias reaccionan de la única manera que pueden: con miedo infestando cada minuto de su tiempo, y cada palabra amable que se intentan dirigir. Es bastante interesante el fondo que presenta esta historia, exponiendo que los terrores se heredan y arrastran, y que no por ser quemados o aislados desaparecen (como incansablemente intentan Paul e hijo con cada cadáver). Muchas veces, basta tan solo con algo que no podemos ver, y nuestro propio pánico se encargará de convertirlo en lo que no queremos que sea. Una puerta roja, un lamento entrecortado o una cara amable pidiendo ayuda no se diferencian demasiado, porque ninguna de esas cosas dan miedo, si se sabe distinguirlas en su momento y lugar. Pero las noches siempre llegan, y es en ella donde se confunden contornos, apariencias, sueños y pesadillas.