Anne with an E

8.8
Anne with an E Anne Shirley es una niña huérfana que vive en un pequeño pueblo llamado Avonlea que pertenece a la Isla del Príncipe Eduardo, en el año 1890. Después de una infancia difícil, donde fue pasando de orfanato a hogares de acogida, es enviada por error a vivir con una solterona y su hermano. Cuando cumple 13 años, Anne va a conseguir transformar su vida y el pequeño pueblo donde vive gracias a su fuerte personalidad, intelecto e imaginación.   Anne with an E Critica Me encanto esta serie...algo inesperado y diferente. Creo que soy un "serieadicto" y esta me la zampe de una sentada...hacia muco tiempo que no hacia esto. Sensibilidad y sencillez a raudales con una actuación estelar de la niña que interpreta a Ana que trasmite de una forma increíble . Luego incluso anime con la película de 1985 que también es muy buena y amplia el tiempo de la serie y para rematar he metido un hueco en mis lecturas los libros de Lucy Maud Montgomery. No os la perdáis.
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Una oración antes del amanecer

Acción Crimen Drama
6.8

Una oración antes del amanecer Basada en la experiencia vivida por el británico Billy Moore, que sobrevivió a una dura experiencia en una cárcel en Tailandia convirtiéndose dentro en boxeador. Una oración antes del amanecer Critica Honestamente, filmar cámara en mano, bien pegadito a un protagonista que le pasan mil putadas, me parece la vía fácil. Porque sí, el cine es sobre todo imagen y mejor prescindir de la palabra, pero también es herencia, legado y novedad, no filmar una dramatización con el baremo de calidad "vídeo de comunión". 'Una Oración antes del Amanecer' tiene bases muy potentes, aunque da la impresión de creerse más buena de lo que es. Y es verdad que eso le da pies durante un buen rato, pero también que solo verdaderos narradores pueden sostener dos horas de gruñidos tailandeses en plan documental: no, no me "resulta incómodo quedarme con ella durante dos horas" como dice alguna crítica profesional, se me hace más bien tedioso porque la identificación emocional es nula sin contraste para la brutalidad. Afortunadamente, algo sucede pasada la (larga) presentación. Billy Moore va a parar a prisión por ser un camello, y lo más terrorífico no es la estancia, sino el maremágnum de voces y gritos en tailandés diciendo cosas que no entiende. La intrusión no se queda en lo auditivo, sino también en lo visual: ahí abajo, entre hombres morenos de elaborados tatuajes, su piel pálida y británica reluce como un faro, sacando a la luz racismos latentes de alguna venganza hacia el hombre blanco. Es el lado desfavorable de la justicia, metido dentro del cajón del anonimato, metido dentro de la más pura mierda de entorno que le rodea. Encima de todo eso, está el mono. La urgencia de meterse otro chute, en un lugar en el que te juegas la vida solo por tener algo. La caída es larga y sobre todo penosa, reforzada en autoengaños, estallidos de violencia y la clase de furia que tiene un perro enjaulado, echándose atrás hasta que solo puede contraatacar con uñas y dientes. Pero todo infierno tiene una norma, escrita desde tiempos antiguos: si estás lejos de la salida, fuérzate a salir por el otro lado. De vez en cuando, asoma el cambio en Billy, a través de un autocontrol que solo puede mantener luchando. Y, entre la emoción cruda de puñetazo y puñetazo, aparecen detalles blandos como los senos de una prostituta, redimiendo a la bestia que queda en el boxeador. "A veces, durante los combates, puedes ver a tu familia en el público": son las cosas sencillas las que cuentan cuando estás ascendiendo la montaña más alta. Hay un momento, al final, en el que toda la aglomeración de caos luchador y tailandés encuentra la catarsis más apropiada, una que no es fácil ni grandiosa. Así suelen ser los momentos que merecen de verdad la pena.

La bella y la bestia

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La bella y la bestia Bella, una joven hermosa y brillante, asume el lugar de su padre como prisionero en el castillo de una bestia. Poco a poco, la valiente Bella irá dándose cuenta de que el príncipe bestia no es el malvado ser que todos creen que es y tiene, en realidad, un gran corazón. La bella y la bestia Critica La película me decepcionó solo empezar. Así de simple, acostumbrados a la belleza de la película original con aquel espectacular inicio y la voz en off de un hombre cuyo timbre era tan meloso, tan atrayente con una narración bien fraseada, casi melódica. En esta versión, nos colocan la voz algo desagradable de una mujer, que no atrae al espectador y cuya narración, tan pausada, parece que nos vende la introducción a fascículos. Hablemos a continuación del aspecto más molesto: el doblaje. Nada más empezar la presentación de Bella, con aquel bosquejo de su personalidad y de la villa, apreciamos ya lo nefasto que resulta el doblaje. O lo haces bien, o mantén las canciones en versión original,...porque se nota muchísimo que la letra de las canciones no coincide con el movimiento de la boca. Respecto a los personajes, comparto que su apariencia física está más que conseguida. Algunas escenas responden muy bien a las expectativas de cómo sería en la vida "real". Sin embargo, tampoco consideraría "estelares" algunas de las interpretaciones de los actores. Otro aspecto son aquellas escenas nuevas para alargar el film innecesariamente como aquellas que justifican el origen de nuestros personajes. Nunca hemos necesitado saber acerca de la familia de Bella o de Bestia ¿porqué ahora nos podría interesar? Hablando de las semejanzas y diferencias con el film original...Incluso eso ha sido un trabajo pésimo. A ver, o mantienes la película tal cual, o lo que añadas que no desmonte la historia original: Chip queda eclipsado, no es el verdadero héroe de Bella y su padre. Y se le ha dado mayor peso a otros personajes: ¿de dónde sale el ese clavicémbalo que era inerte en el film original? ¿Y el guardarropas? al que vemos tanto como a Din-Don y Lumiere. Está bien, no todo está mal, se agradece que hayan mantenido diálogos, escenas y canciones...pero ¿cómo no lo iban a hacer? Si es la esencia que nos cautivó tiempo atrás. Bueno, llegó el momento “música”. No me explico cómo han respetado las canciones originales, y la música instrumental no se ha conservado. Por favor, cuentas con el mismo compositor (Alan Menken), motivo por el cual la película se alzó con una mención hasta entonces nunca entregada a una película de animación...y ¿ahora me cambias la música instrumental? Así no me generas la misma intensidad, ¿la pelea contra los lobos por salvar a Bella en el bosque? Parece más bien un juego entre cachorros. Y casi más nefasta es la interpretación musical de los dobladores, algunos parecen incluso desafinar.

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La Seducción Año 1864. Durante la guerra civil norteamericana, la tranquilidad de una escuela femenina de Virginia donde sólo viven mujeres se ve alterada con la llegada de un apuesto soldado confederado herido... Remake de "El seductor", dirigida por Don Siegel y protagonizada por Clint Eastwood. La Seducción Critica "La seducción" si se ve sin comparaciones, es una película meramente correcta, más que en su resultado, en su configuración. Y digo configuración más que elaboración, porque parece ingeniada por ordenador. En ella hay factores interesantes, aunque no del todo logrados, como su fotografía, sin iluminación artificial, respetando la época en que se desarrolla, aunque finalmente haya quedado demasiada oscura, y que supongo visionada en una pantalla de televisión se verá con menos nitidez aún. También es aceptable trabajo de su elenco actoral: tanto de Colin Farrell como del resto, algunas más que otras, pero no por talento o dimensión de sus personajes, si no afectadas por el dudoso trabajo de peluquería, sobre todo en el caso de Elle Fanning, con un aspecto que en la actualidad puede quedar muy mona, pero impensable para el marco donde la acción transcurre, o por el guión en sí, desaprovechando momentos que podían haber sido claves para la relación de los personajes, como en el caso de Nicole Kidman, en otras secuencias se opta por la estúpida bondad para no caer en la pederastia y en otras ocasiones tirando por tierra escenas en que su "suspense" se podía haber aprovechado y haberle brindado algo de fuerza, virtud que en escasas secuencias tiene. La mejor parada es quizás Kirsten Dunst, por hacer un personaje austero, constreñido y sin intención de sobresalir forzadamente. Dicho sea de paso, me gustó que esta actriz en concreto se negara a adelgazar para este personaje y quebrantando el capricho, más que la lógica voluntad de Sofia Coppola, porque no era necesario. Se echa en falta la claustrofobia, la presión de sus circunstancias, en la que su guionista y también directora, Sofia Coppola, ha optado por darle un aire de fábula, como de cuento, con unas preciosas localizaciones en Louisiana, a diferencia de la notable versión de Don Siegel, en la que sus personajes tenían una edad y unas circunstancias menos infantiles. Y he intentado evitar la comparación con la primera versión, pero me ha resultado imposible. No sé qué habrá motivado el que ser ruede esta nueva versión, pero poco aporta a lo que ya en su día brindó la versión de Siegel. Todo aquí es más obvio y naif. Su desarrollo, que dura la hora y media de rigor, como hemos apuntado antes, no pasa de la corrección. "La seducción" me ha parecido poca cosa. Cuidada en su envoltorio pero rodada sin desenvoltura o demasiada inspiración. Podía tener todas las condiciones para haber resultado un film más explosivo que su antecesora, una reivindicación femenina, un alegato contra la guerra y la violencia, o incluso una historia de amores desaforados y descontrolados, pero no, se ha quedado en un correcto y algo gélido drama, con baches narrativos y algunas elipsis o saltos narrativos que no le han beneficiado. Su vestuario o su dirección artística sirven para añadirle algo más de encanto. Si se desconoce la versión anterior puede que "La seducción" resulte tanto más llevadera durante su visionado como satisfacer a su término, pero aún así dudo que a alguien le resulte, no ya una obra maestra, si no un notable film, que repito, lo podía haber sido, pero que obviamente se ha dejado pasar la ocasión.

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The Crossroads of Hunter Wilde Hunter Wilde es el líder de un grupo de sobrevivientes cristianos que intentan vivir lo más normal posible dos años después de un ataque EMP y derribando todo el poder. En un mundo de caos, vivir día a día se ha vuelto más traicionero. Pero eso no es nada comparado con cuando las puertas del infierno se abren y los demonios se encargan de buscar y destruir a los creyentes restantes en la tierra. Sus objetivos se establecen en Hunter. Si pueden romperlo, toda la ciudad de Crossroads lo seguirá.

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El Día de la Unión Narra la historia de Javier, un taxista al que el destino lleva a trabajar cerca del hotel Regis el 19 de septiembre de 1985. Frente a sus ojos la ciudad de México se derrumba en el tremendo terremoto de ese día, llevándolo a vivir el rescate y la desesperación de un padre en busca de su hijo. A través de esta gran historia de unión, veremos la formación de las brigadas de rescate, la compasión humana y el compañerismo que se vive en el pueblo mexicano. El día de la unión es un homenaje a las víctimas, sobrevivientes y héroes de los sismos en México del 85 y del 2017. El Día de la Unión Critica   El protagonista de la saga futbolera ‘Goal’, Kuno Becker, estrena su segundo largometraje tras la fallida ‘Pánico 5 Bravo’, retomando ahora los hechos acontecidos el 19 de septiembre de 1985 cuando sucedió el devastador terremoto en la Ciudad de México. La historia se narra a través de Javier (Armando Hernández), un ingeniero civil devenido en taxista que lleva a una coqueta pasajera al hotel Regis, por otro lado, Max (Kuno Becker), es un periodista divorciado que pasa a la casa de su exesposa para llevar a su hijo a la escuela, pero antes debe pasar a dejar un paquete a su oficina. Mientras Ximena (Sandra Echeverría) es una periodista que no recibe el reconocimiento de parte de su jefe. Como es sabido, a las 7:19 de la mañana la tierra tembló y el caos y la tragedia se apoderó de una ciudad que no estaba preparada para un terremoto de tal magnitud, Javier decide convertirse voluntariamente en rescatista junto a otros ciudadanos, Max busca desesperadamente a su hijo quien se quedó atrapado en el estacionamiento subterráneo del edificio donde trabaja, mientras Ximena decide documentar lo sucedido. La película, escrita, protagonizada, dirigida y producida por el propio Becker, se luce en dos aspectos, primero, lo acertado de sus efectos especiales, algunas secuencias durante el terremoto consiguen transmitir una sensación de estar viendo imágenes reales, es impactante ver el desplome de los edificios y del mítico hotel Regis, y segundo, el bien logrado uso del material de archivo de Televisa, casi siempre bien insertado en el relato, excepto cuando se integran a la labor que hace el personaje de Sandra Echeverría. Desafortunadamente el resto no está a esa altura, lo que inicia como una prometedora película de desastre y supervivencia se convierte rápidamente en una película sensiblera y lastimera, un relato donde la música marca la dirección por donde deben confluir las emociones, con personajes unidimensionales y un villano de cartón, un guion al que se nota la falta de rigor, y un tanto oportunista, buscando convertirse en un vehículo que sirva para homenajear a las víctimas a través de frases pomposas y discursos patrioteros donde se busca conmover apelando a un nacionalismo ramplón. No se duda de las buenas intenciones de los realizadores de la película, la cual acierta en la emotividad de algunas secuencias pero lastimosamente son las menos, esto debido a que las decisiones tomadas por el director no consiguen que el relato se sostenga en un ritmo y un tono uniforme, se torna en demasía amarillista buscando enfatizar la tragedia y a cada personaje muerto que aparece, hay escenas trágicas que terminan siendo involuntariamente cómicas, y falla rotundamente en cuanto a la dirección de sus actores, violenta la lógica de los espacios físicos, además de ignorar el contexto social de la época, mostrándose muy tibios al no atreverse a lanzar una crítica respecto a la nula reacción del gobierno de Miguel de la Madrid, hecho que motivó a que fuera la población la que saliera a las calles a remover escombros y ayudar a los afectados. La película cuenta con un importante presupuesto y la dirección busca hacerlo notar todo el tiempo, descuidando el buen desarrollo de la historia y demás situaciones ya mencionadas, dando como resultado una película grandilocuente, sensiblera y un tanto oportunista.

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Bad Blood Una dramatización de la vida y la muerte del jefe de la mafia de Montreal, Vito Rizzuto. Bad Blood Critica ¿Es “Bad blood” la nueva “Los Soprano”? Pues si y no. Personalmente y en diferente registro, la serie de mafiosos que vino a sustituir a “Los Soprano” fue “Breaking Bad” y esta la sustituyó (volviendo a cambiar de registro) “Hijos de la Anarquía”. “Bad Blood” es una vuelta a los orígenes de las series mafiosas, en un tono menor y más lineal (pues describe hechos reales) aunque con cierto encanto propio de las series de otra época. “Bad blood” sabe que el secreto consiste en tirar de clichés y en tener buenos actores en un escenario adecuado. Quizás el escenario (Montreal, Canadá) podría haber sido más icónico pues parece cualquier otra ciudad, a diferencia de “Los Soprano” (New Jersey, New York), “Breaking Bad” (Alburquerque) o “Hijos de la Anarquía” (el pueblo ficticio de Charming, en California) donde la localización es un personaje más, quizás uno de los más reconocibles. En cuanto a los actores, aquí si que han acertado, tirando una vez más de actores típicos de las películas de mafia que, además, son sólidos actores. Anthony LaPlagia está más que creíble (su rostro es valor seguro) y Kim Coates (la cuota “Hijos de la Anarquía”) está magnífico, convirtiéndose en el eje central de la serie y sustentando todo sobre sus hombros, con esa mirada tan peculiar y esa forma de interpretar cercana a un glaciar nórdico que, en ocasiones, demuestra una inusitada fragilidad. Una serie efectiva y efectista sobre mafiosos que nos quitará el mono de esas series que ya no se hacen. Bien dirigida, con ritmo, buenos actores y buen guion. Tira de tópicos, claro ¿pero acaso “Los Soprano” no tiraban de los tópicos de Scorsese o de Coppola?