Una entrevista con Dios

Una entrevista con Dios
6.7
Un ex veterano de guerra y actualmente periodista comienza una entrevista con alguien que dice ser Dios.   Una entrevista con Dios Critica Película del género religión, monoteísta y cristiana, pero dejando mucho que desear. Tanta entrevista a Dios, ¿para qué?, ¿para mostrárnoslo como DAVID STRATHAIRN, como alguien a quien cuando se le hacen preguntas de una cierta profundidad, las cuales siempre ha hecho el ser humano creyente durante milentos, la interpretación en forma humana del Todopoderoso aquí presentada las esquiva contestando a su vez con otras preguntas?: o sea Dios encasillado en el tópico de gallego. ¿Y para eso más de una hora de filme que pretende apoyarse en una pretendida teología? ¡Ahhh, y cuando Dios le señala a su entrevistador que va a morir (¡qué gran descubrimiento de lo humano!) va y le dice que lo siente, ja, ja, ja! Pero, ¿qué idiotez pretendidamente teológica es esta?, ¿cómo va a sentir Dios que un humano muera si gracias a Dios la muerte implica que el espíritu que se halla ahí encarnado y prisionero se libere de este purgatorio terreno?, precisamente lo bueno por excelencia de Dios es que nos hizo primordialmente espíritus y con la muerte o desencarnación volvemos a nuestra verdadera esencia-paz que es ser espíritus mientras que la carne es una mera coyuntura temporal sufriente, es decir, al morir nos salvamos de este puñetero mundo, de esta puñetera carne y de esta puñetera vida: la muerte es toda una inmensa esperanza.  
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Gladiator

Acción Aventura Drama
8.1

Gladiator Máximo, General de las Legiones Romanas, es querido por todos, incluso por el César, Marco Aurelio, que antes de morir le elige a él como sucesor dejando de lado a su propio hijo, Cómodo. Cómodo movido por el odio prepara una conspiración contra Máximo, le condena a él y su familia a muerte. Máximo intentará salvar a su mujer y su hijo pero cuando llega es demasiado tarde, Cómodo se le ha adelantado. Máximo volverá a Roma como gladiador en busca de venganza. Gladiator Critica Superproducción realizada por Ridley Scott (Inglaterra, 1937) (“Thelma y Louise”, 1991). El guión, de David Franzoni, John Logan y William Nicholson, desarrolla una historia original de David Franzoni. Se rueda durante 4 meses en escenarios exteriores de CA, Marruecos, RU, Malta e Italia y en los platós de Shepperton Studios (Surrey, Inglaterra) y de Atlas Corporation Studios (Guazazate, Marruecos), con un presupuesto estimado (IMDb) de 103 millones de USD. Nominado a 7 Oscar, gana 5 (película, actor, vestuario, efectos especiales y sonido). Producido por David Franzoni, Branco Listig y Douglas Wick para Dreamworks y Universal, se proyecta por primera vez en público el 1-V-2000 (L.A., CA). La acción dramática principal tiene lugar en Roma, los territorios de la antigua Germania, la ciudad de Zucchabar (NO de África) y proximidades, durante un período de varios años que se inicia el año 180 de nuestra era, último del reinado del emperador hispánico Marco Aurelio (Harris). El general imaginario de las legiones Félix, Máximo Décimo Meridio (Crowe), nacido en Augusta Emérita (Mérida, Hispania), tras tres años de guerra, gana la última batalla de Marco Aurelio contra Germania y obtiene la confianza y el afecto del emperador. La obra es un drama histórico de acción, aventuras y venganza, que se encuadra en el género peplum (cine de romanos), abandonado y olvidado durante varias décadas por las productoras. Se ha escrito en varias ocasiones que la película se inspira en tres films: “Ben Hur” (Wyler, 1959), “Espartaco” (Kubrick, 1960) y “La caída del Imperio Romano” (Mann, 1964). Del último toma los personajes principales (Marco Aurelio, Cómodo, Lucilla y Livio), cambia el nombre del general (Máximo por Livio) y da continuidad a la historia prolongándola en el tiempo con un relato de ficción poco interesado en la precisión histórica. El argumento es sencillo y ligero. Presenta una definición de los personajes centrales dibujada con acierto y riqueza de detalles. En este sentido sobresalen Marco Aurelio, anciano, cansado, ecuánime, lúcido y poderoso; Cómodo (Phoenix), ambicioso, traicionero y cruel; y Máximo, profesional competente, hábil, leal, fuerte y perseverante. La narración, fluida y vigorosa, acusa algunos excesos de grandilocuencia y solemnidad. Los diálogos son breves y contundentes. Con frecuencia se ven deslucidos por la superposición de planos sonoros que transitan desde el fondo acústico a primeros o primerísimos planos. Los pasajes verbales que el film subraya son esquemáticos, reiterativos y simples. Demasiadas veces el relato verbal cede la preeminencia a los efectos acústicos de la banda sonora o del soundtrack, que llenan la sala de decibelios más con el propósito de impresionar que con el de enriquecer la densidad y profundidad del relato.

Van Helsing

Action & Adventure Misterio Sci-Fi & Fantasy
6.3

Vanessa Helsing, pariente lejano del famoso cazador de vampiros Abraham Van Helsing, es resucitado sólo para descubrir que los vampiros se han apoderado del mundo. Ella es la última esperanza de la humanidad para dirigir una ofensiva para recuperar lo que se ha perdido.

Love

Comedia Drama
7.5

Love narra la historia del dulce Guy (Paul Rust) y la desvergonzada y salvaje Mickey (Gillian Jacobs) mientras exploran la euforia y las humillaciones de la intimidad el compromiso el amor y otros temas que no esperaban vivir Love Critica Netflix está optando por series con un foco muy personalizado y estudiado, con unos targets de público muy concretos para conseguir posicionarse en prácticamente todos los mercados. Cierto que han apostado por grandes series de calidad imanes para los premios como "House of Cards" o "Narcos", pero también series y productos que buscan un target muy específico de mercado como fue “Frankie and Grace” o la que nos ocupa “Love”. Y es que Love, producida por Judd Appatow, es muy similar a lo que fue "Girls" (mismo productor), pero todavía bebiendo mucho más del cine independiente y creada muy específicamente para un grupo de millenials, de jóvenes buscando el amor del siglo XXI entre relaciones cada vez más líquidas y de afrontar la madurez en la nueva generación por parte de unos personajes que representan al completo esa cara de la juventud, apática, egoísta, adicta a la tecnología, crecida entre algodones e incapaces de asumir responsabilidades. ¿La voz de una generación como decía Lena Dunham en Girls? No. Pero sí reflejando una realidad que el cine con sus esquemas de “comedias románticas de dos estrellas y media” ya no representan en versión mainstream: la realidad y con personajes reconocibles. Incluso en “Y de repente tú” (Trainwreck, también de Appatow) la cosa se terminaba convirtiendo en típica y funcional tras un arranque suficientemente centrado en la realidad. El argumento de “Love” cuenta la historia de Mickey y Gus y nos los muestran tratando de recuperarse de dos rupturas que los han dejado sin rumbo. Y de repente tropiezan en la vida y tratan de poner un pie detrás de otro apoyándose inconscientemente el uno en el otro. Love se circunscribe en esa especie de productos hipsters y modernos y es en su estilo pausado, en su formato río (como una película larga troceada) y en su cercanía a la realidad de quejica “loser” donde encuentra su verdadera autoría y voz. Entre sus principales temas no son únicamente los amorosos sino que principalmente es el paso del tiempo a la madurez, ahora más tardía para todos y con los problemas de encontrar estabilidad y aceptar las responsabilidades. “Antes éramos la hostia de salvajes y libres. ¿No os acordáis peña? Joder, la noche que murió Elliot Smith Shaun y yo nos metimos crack y fuimos puerta por puerta contándoselo a todo el mundo. Aquella noche fue la hostia. ¿Qué coño hacéis sentados en el suelo? Vamos a meternos en la piscina. Antes, a estas alturas ya estaríamos follando con todo el mundo. Lo menos que podemos hacer es saltar a la piscina” El carisma y la fuerza y buena escritura de los personajes y sus actores son los que otorgan el alma absoluta y entregada a la producción. Gus, interpretado por Paul Rust que aquí ejerce de creador, guionista y director (a lo Dunham) tiene uno de los papeles más tiernos y entrañables de la televisión actual, seducido por Mickey (Gillian Jacobs, la entrañable Britta de Community) como una divertida malhablada y amante de volcarse al desastre absoluto. En la aventura les acompaña la nueva compañera de piso de Mickey, interpretada por la cómica australiana Claudia O’Doherty aliviando el peso de los dos protagonistas. Si en algo evidente se diferencia de Girls es en no entregarse a temas sexuales de manera descarada. Aquí no hay obsesión por los desnudos, aunque nunca se evitan de manera natural y los diálogos en algunos momentos son fuertes. LOS ÁNGELES Es curiosa la revolución que se le está dando televisivamente a Los Ángeles, antes ciudad de cine/estudios y tramas siempre girando alrededor de eso y ahora casi como un lugar para perdedores. Es curioso que Netflix haya estrenado Flaked (el último esfuerzo conjunto de Will Arnett con el creador de Arrested Development) que también acerca el mundo de la crisis de edad a otro segmento de población. El entorno de la ciudad de las estrellas se representa como lánguido, inerte, lleno de gente que vagabundea por la vida buscando su parada. Y es verdaderamente acertado como huye de la lucha social o ser tendencia de Nueva York y se instala en un pasotismo y dejadez propio de la historia que nos quieren contar.

Bohemian Rhapsody

Drama Musica
8

Bohemian Rhapsody es una rotunda y sonora celebración de Queen, de su música y de su extraordinario cantante Freddie Mercury, que desafió estereotipos e hizo añicos tradiciones para convertirse en uno de los showmans más queridos del mundo. La película plasma el meteórico ascenso al olimpo de la música de la banda a través de sus icónicas canciones y su revolucionario sonido, su crisis cuando el estilo de vida de Mercury estuvo fuera de control, y su triunfal reunión en la víspera del Live Aid, en la que Mercury, mientras sufría una enfermedad que amenazaba su vida, lidera a la banda en uno de los conciertos de rock más grandes de la historia. Veremos cómo se cimentó el legado de una banda que siempre se pareció más a una familia, y que continúa inspirando a propios y extraños, soñadores y amantes de la música hasta nuestros días. Bohemian Rhapsody Critica Pocas veces ha habido tanta diferencia entre la opinión de la audiencia y de los críticos. Y esta es, en mi opinión, la explicación más plausible: LA PELÍCULA QUE LOS CRÍTICOS ESPERABAN. Arranca en el lecho de muerte del artista. Un Freddie Mercury que agoniza es visitado por sus fantasmas mientras revisa, de forma desordenada, los momentos más íntimos e intensos de su vida. Una obra metafísica e introspectiva de tres horas y media donde el miedo y la desesperación se fusionan a cámara lenta. LA PELÍCULA QUE EL PÚBLICO ESPERABA Una celebración de la vida y el talento de dos horas con la música de Queen como protagonista, en la que nuestro héroe asciende al Olimpo del éxito para luego caer por sus propios errores y volverse a levantar gracias a la ayuda de sus amigos. Un canto a valores como la amistad y el esfuerzo aderezado de momentos tanto dramáticos como cómicos. Buenas intepretaciones, puro ritmo y mucha, mucha, música Rock. Afortunadamente para nosotros, y para desgracia de tanto crítico, la película nos da lo segundo. Y quien quiera saber más de Freddie Mercury o de Queen, que visite Wikipedia.

La música del terremoto

Drama Misterio Romance Suspense
5.6

La música del terremoto Tokio, Japón, 1989. Lucy Fly, una extranjera que trabaja como traductora, comienza una apasionada relación con Teiji, un hombre misterioso obsesionado con la fotografía. La música del terremoto Critica   'La Música del Terremoto' decepciona ya que tenía muchos alicientes para llegar a ser una buena película. Un director con una trayectoria interesante, Atticus Ross (oscarizado por 'La Red Social') encargado de la banda sonora, un elenco de primera con dos de las actrices más en forma del momento, una ambientación ochentera situada en el siempre exótico Japón y ese estilo pop con fotografía colorista que podía darla un toque único. En cambio, nos encontramos con un thriller mediocre que no logra ser lo suficientemente atractivo debido principalmente a una plana adaptación de la novela inglesa multipremiada en la que se basa. No tiene un ritmo que enganche al espectador (en parte por culpa del montaje), recurre a secundarios estereotipados y poco desarrollados e intenta poetizar continuamente recurriendo a situaciones y diálogos forzados. Su director está curtido en películas con personajes femeninos potentes. En sus anteriores trabajos cumple dirigiendo a actrices de renombre como Keira Knightley, Christina Ricci o Julianne Moore en sendos papeles protagonistas, y en esta ocasión hace lo propio con las talentosas Riley Keough y Alicia Vikander, sin duda lo mejor de la película junto con el toque exótico de rodarse en tierras niponas. Pero resulta un esfuerzo vacuo, porque a pesar de estar bien contextualizada, la historia en su conjunto carece del interés necesario y no consigue sumergirnos en la atmósfera intrigante u opresiva que cualquier buen trama noir necesita. Ahí están ejemplos como 'Burning' o 'Under the Silver Lake', cercanos en temática y tiempo aunque no en resultado.

No mires para abajo

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No mires Una solitaria y tímida estudiante de instituto de 18 años apenas le queda refugiarse en conversaciones con su reflejo en el espejo ante la falta de amigos y de apoyo que tiene de su familia. En el espejo encontrará a su gemela malvada, alguien que la apoya, pero en esa nueva libertad desencadenará sentimientos reprimidos. No mires Critica   Una película que crea desasosiego, no por los asesinatos, ni por los pocos sustos o sorpresas con súbita subida de música, sino por el trasfondo, lo que subyace en esta metafórica historia. Buen trabajo de los principales, especialmente Eisley e Isaacs, un poco insípida Sorvino, no sé si por el rol que le ha tocado o porque se cansó de interpretar hace tiempo. Buena fotografía que acompaña al gélido entorno, la nieve y el hielo ocupan una parte importante de la película y ayudan a esa sensación de malestar. Tiene un par de licencias y cabos sin atar (especialmente lo relacionado con el nacimiento), y un final que sólo funciona a medias, o te quedas en metáfora o no, pero tirar por el camino del medio... como que no. La b.s.o. también me gustó. Lo mejor: la historia, no del todo redonda, las interpretaciones, las localizaciones, fotografía y música. Lo peor: algún personaje secundario que es de cartón piedra (el abusón), algunas escenas algo inverosímiles (la agresión en la pista de patinaje y lo que sucede antes y durante el primer "asesinato"), lo que rodea al flash-back del nacimiento y el final.