Glass (Cristal)

Glass (Cristal)
6.5
Glass Glass sigue los pasos de David Dunn en su búsqueda de la figura superhumana de La Bestia. En la sombra, Elijah Price parece emerger como una figura clave que conoce los secretos de ambos. Glass Critica   Poco más del aprobado justito para la culminación de la trilogía de Shyamalan sobre superhéroes y el mundo del cómic, trilogía que ha ido de más a menos y que se cierra demasiados años después de la primera entrega. El esperadísimo enfrentamiento entre David Dunn y la Bestia llega nada más empezar la película y supone un arranque espectacular, pero poco después de ese inicio prometedor nos cae como una losa la siguiente hora de metraje, monótona, aburrida y totalmente soporífera, para retomar el interés cuando la cinta ya nos tiene casi perdidos. El ejercicio de estilo que suponía la fantástica e hipnótica “El protegido” no aparece por ningún sitio en “Glass” y la película se acerca demasiado a las pelis de superhéroes de Marvel/DC, que me aburren hasta el infinito (y más allá), ignorando el enorme acierto de la primera cinta: llevar el mundo de los superhéroes a la vida cotidiana con personajes de la vida real, sin capas, efectos especiales millonarios, ni abdominales esculpidas en mármol. Seamos realistas: el pobre Bruce Willis ya no está para hacer de superhéroe. Con esa barba blanca parece más bien el superabuelo y su hijo (lo que ha crecido esta criatura oye), sigue teniendo la misma cara de empanado puesto hasta arriba de algo fuerte, con lo cual la función se la lleva enterita James McAvoy, que vuelve a lucirse con la dificultad añadida de cambiar varias veces de personalidad en el mismo plano. El guión no es nada previsible, incluye el habitual final sorprendente marca de la casa y por fin presenta explícitamente lo que el director había contado sólo en entrevistas: cuál era el tren en el que se fue el padre de Kevin. Lo que saca bastante de quicio es cómo Mr.Glass se pasa media película comparándolo todo con las situaciones de los cómics, exactamente igual que hacía el crítico de cine de “La joven del agua”. Sin ser una mala película en absoluto y poniendo el broche (por fin), a lo que ya llamamos “Trilogía Unbreakable”, prefiero al Shyamalan que jugaba continuamente con la fotografía y el montaje para ponernos de los nervios con una simple corriente de viento que mueve los árboles, un ruido en el piso de arriba o el crujir de unas ramas en medio de un bosque. Una vez cerrada esta historia esperemos que vuelva ya a lo que se le da bien de verdad y nos asombre con grandes narraciones y bajos presupuestos, porque con él nunca sabes lo que te vas a encontrar; Shyamalan es capaz de lo mejor (“Señales”, “El Bosque”, “El protegido”, “El sexto sentido”), pero también de lo peor (no por favor, no quiero ni nombrarlas, hemos estado años sin dar un duro por este señor pero él se lo ganó a pulso, con la participación de don Dinero Smith), démosle otro voto de confianza para la próxima película ahora que vuelve a ser un director interesante.
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Suspense Terror
5.6

Marcados por la muerte Por fin, graduados y fuera de Croacia, camino de lo que parecía ser la fiesta de sus vidas... pero para Julia y sus amigas el viaje de fin de curso se convierte en uno de horror, del cuál probablemente algunas no vuelvan a casa.     Marcados por la muerte Critica Imaginaos que estáis en un fiestón. De aquellos en los que llega un momento en que no sabes si saldrás con vida, en el sentido menos literal de la palabra. Sexo, drogas, iba a poner rock & roll pero mejor dejarlo en ruido sincopado a todo volumen, y el resto de aditivos que encajarían en The End of the World Party. En fin, el paraíso para una generación que parece empeñada en que todo le pase de largo, dicho esto sin ningún ánimo de crítica. Pero claro, hacer una película con el único aliciente de ver como unos jóvenes se lo pasan en grande, lejos de su casa y guiados como ovejitas en un viaje del Imserso, sería muy aburrido a partir del minuto quince tirando largo. Para romper esa ruidosa monotonía, qué mejor que plantar en pantalla los atroces asesinatos de un pirado que parece que se aburre de tanto bailoteo necesitando algo más. En fin, un vulgar y típico slasher con algún que otro aliciente, como puede ser un buen ritmo, logradas escenas gore, aunque un tanto escasas y unas actuaciones bastante convincentes. Un grupo de graduados austriacos se dispone a disfrutar de la fiesta de sus vidas en Croacia. Para Julia y sus amigos, su graduación se convertirá en un viaje al auténtico terror, del cual más de uno no volverá. Nos encontramos ante el tercer largometraje de Domink Hartl en el cual da rienda suelta a todos los tics de un tipo de cintas que parece anclado en décadas pasadas, en las que tuvo todo su esplendor. Creemos que en la actualidad todo eso está bastante superado, estando el público más predispuesto a otras visiones del terror, las cuales se omiten en esta cinta. No penséis que todo es negativo. Su calidad técnica salva en muchas ocasiones los muebles, pero no solo de eso vive el cinéfilo. En muchas ocasiones es preferible algo más cutre pero con una historia que nos enganche desde el minuto uno, cosa que Party Hard, Die Young no consigue. Los amantes de los slashers seguro que ya me estarán mirando mal. Dentro de ese subgénero podemos encontrar, aún hoy en día, obras que nos sorprenden, pero que tampoco pueden abandonar todas las premisas, corsés o como queráis llamarlas, que las rodean. ¿Qué puede entonces diferenciar una obra de otra? Dejo la pregunta en el aire para que os devanéis los sesos si tenéis ganas. A pesar de ser una obra muy coral, decir que encabeza el reparto Elisabeth Wabitsch en el papel de Julia. El resto da un aire de naturalidad totalmente acertado y necesario para que todo sea algo creíble. Destacar a Marlon Boess, Markus Freistätter, Michael Glantschnig y Valerie Huber. Para finalizar decir que estamos ante un film visto innumerables veces, con algún toque que lo vuelve simpático. Nada nuevo bajo el sol, y nada menos.

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Madre! A una mujer (Jennifer Lawrence) le pilla por sorpresa que su marido (Javier Bardem) deje entrar en casa a unas personas a las que no había invitado. Poco a poco el comportamiento de su marido va siendo más extraño, y ella empieza a estresarse y a intentar echar a todo el mundo. Madre! Critica Enfrentarse a madre! supone un reto al espectador. Aronofsky nos ofrece una película críptica, difícil, incómoda y anticomercial, hay que reconocerle los huevos que le ha echado y, claro, como cuesta cierto dinero se intenta vender para que el público acuda de forma masiva al estreno, pues después de los comentarios huirá masivamente. Técnicamente impecable, especialmente en el aspecto sonoro, una maravilla esos sonidos que ofrece la casa. La cámara situada constantemente muy cerca de la cara de Jennifer Lawrence resulta incómoda, remarca el carácter de la obra, la personalidad de ella. Impecable en el apartado artístico, con grandes momentos, como la recreación visual de un poema no leído. Una estupenda dirección hace el resto.... El problema está en el relato ¿qué quiere contarnos mother!? El espectador pasa por diversas fases, creer que se trata de un thriller de terror, pensar que se trata de un film surrealista en el que todo puede ocurrir (quizás el resultado de una pesadilla, onírico y terrorífico), para al fin comprender que en realidad es una alegoría. Y como alegoría no es fina, todo lo contrario, es muy burda, no ofrece la posibilidad de comprender el relato principal como tal a la vez que se refiere a algo más grande, el relato principal queda secuestrado, destruido por la alegoría, lo que ocurre no importa porque no resulta creíble y es el mayor pero de la película, el espectador se distancia de lo que ve, no tiene sentido no es un relato cercano, creíble o con posibilidad de resultar creíble, la alegoría destroza el relato. Pese a ello se puede aún así disfrutar estando dispuesto a ver lo que se está viendo, a jugar al juego que quiere el director, pero muchos espectadores no lo lograrán, o no les interesará, se verán expulsados del relato y verán una serie de imágenes que no les importarán lo más mínimo, es muy fácil detestar esta película y así será por la mayor parte del público, no es película para el espectador que espere algo normal, así que me parece que debe realizarse dicha advertencia. Finalmente, como no dada la personalidad que tiene o que al menos trasmite por sus films Aronofsky, el tema tratado por la película es de una pretenciosidad total, quizás excesiva queriendo abarcar demasiado. Como lo es su duración, se hace algo cansina, dubitativa en su inicio (estupendo si hubiese querido desarrollarlo, no se entiende con esa continuación tan salvaje y diferente) excesivamente larga para una película excesiva en todos los aspectos. Paradójicamente, desde mi punto de vista, es que uno de sus logros sea que se venda a un público mayoritario, especialmente por la popularidad de su actriz principal, enfrentará al público a un cine al que no está acostumbrado y dará que hablar. Eso cuando menos es loable, si bien a muchos les parecerá una tomadura de pelo.

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El jilguero The Goldfinch narra las peripecias de Theo Decker, un niño de 13 años que vive una experiencia traumática el día en que visitaba con su madre el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. El museo sufre un atentado terrorista y como consecuencia su madre muere en él, pero Theo sobrevive. En medio de todo el caos, Theo decide robar un cuadro, ante la insistencia de un anciano moribundo. Se trata de 'The Goldfinch', una pintura de 1654, obra del pintor holandés Carel Fabritius. El jilguero Critica   Primero diremos que vamos a separar las cosas, uno es el libro en el que se adapta este filme que sea dicho de paso lo recomendamos a gritos, lo que diremos es solo con respecto al filme. El jilguero narra la historia de Theodore Decker un chico que a sus 13 años vive un trauma que lo marca de por vida. El vive un atentado en un museo de arte en Nueva York, donde su madre muere y el camino del dolor, la pérdida y la culpa será su forma de vivir y a todo eso el se aferra a un cuadro de un jilguero que toma ese día. Suena muy bonito verdad; de hecho la historia es titanica y te debería llevar a encontrar tales emociones y viajar con el personaje; pero ese es el principal problema de este filme, los personajes están tan desdibujados y no importa si salen o no en la historia, nadie brilla, no conectamos con Theo interpretado por Ansel Elgort que solo pone cara de niño guapo. La narrativa es hueca, deja cosas sin contar, muchas cosas quedan en el camino, no hay una perspectiva del director, el viaje de Theo es aburrido y tedioso, no hay consecuencias de los hechos. Nicole Kidman no se siente, no sabe que hacer y esa peluca es de reír y lo peor es Finn Wolfhard, solo diré Atroz; interpreta al mejor amigo ruso del protagonista en un fallo garrafal de casting. Escucharlo hablar da risa. Podemos rescatar la puesta en escena, funciona y va de acuerdo a lo que uno espera del jilguero y la partitura musical es hermosa. Roger Deakins glorioso, pero no logra salvar lo que guionista y director hicieron. El jilguero no logra saber que contar, te pasa de un trauma infantil, o un thriller psicológico o un género de ganster, o incluso un romance juvenil.

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Serenity La tranquila vida de Baker Dill, un capitán de barco pesquero que vive en la aislada isla de Plymouth, donde pasa sus días obsesionado con la captura de un escurridizo atún mientras lucha contra sus demonios personales, se ve perturbada cuando alguien de su pasado acude a él en busca de ayuda. Serenity Critica     Ridícula, marciana, descontrolada, desquiciada, desequilibrada, desproporcionada, desatinada, loca, es esta cinta de Steven Knight (el notas de Peaky Blinders, esa serie tan guay que nunca voy a ver). Resulta imposible, repito, imposible poder destripar a gusto y como se merece este engendro absolutamente pasado de rosca sin hacer spóiler. Por tanto, me limitaré a reflejar que cuando las cartas se ponen boca arriba y viene el giro argumental, ya es demasiado tarde y estás deseando que se acabe esta ida de pinza; bien porque no puedas bostezar más o reírte más, por mucho músculo (físico, no interpretativo) que se marque Matthew y mucho culito que enseñe. El tan insustancial como loco papel de femme fatale de la Hathaway... para hacérselo mirar ella o para despedir a su representante. Una paranoia desquiciada, una tomadura de pelo, un todo vale, una locura, una broma de mal gusto, un sin Dios, una fumada, una ida de olla, un empacho de hongos... del que solo respirarás satisfecho cuando por fin se acabe. Tú sabrás.

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Mariposa negra Paul (Antonio Banderas) es un escritor en horas bajas que un día recoge a un vagabundo (Jonathan Rhys Meyers) y le ofrece quedarse con él en su apartada cabaña de madera. Pero el extraño decide tomar a Paul como rehén y lo obliga a escribir todos sus secretos íntimos, enterrados durante años... Remake del thriller francés "Papillon Noir" de Christian Faure. Mariposa negra Critica Es solo pasable esta película que comienza interesante pero poco a poco se va diluyendo con idas y vueltas en algunos casos sin sentido y sobre todo con poca lógica. El argumento gira en torno a un escritor que tiene problemas de inspiración, que hace mucho no logra volver a editar un libro llevándolo a tener problemas económicos conoce a un vagabundo y decide llevarlo a vivir a su casa. Lo que en un principio se ve bien comienza a ser distinto a medida que pasa el tiempo y las cosas comienzan a cambiar siendo allí cuando también todo empieza a enredarse inclusive el guion. El reparto cumple sobresaliendo un medido Antonio Banderas.