El Castillo de Cristal

El Castillo de Cristal
7.1
El Castillo de Cristal Una joven crece en una familia disfuncional de nómadas inconformistas, con una madre excéntrica y un padre alcohólico que distrae a los niños con su imaginación para que ignoren su pobreza. Basada en las memorias de Jeanette Walls. El Castillo de Cristal Critica Vi una entrevista en la que preguntaban a Woody Harrelson y Brie Larson sobre el mensaje de esta película. Respondieron que no querían entrar a explicar ningún tipo de intención ni mensaje, cada cual sacará sus propias conclusiones. Así es, El castillo de cristal será vista e interpretada de diferentes formas según sea quien la mire y según qué cosas haya vivido. Es probable incluso que una misma persona cambie, con el tiempo, su percepción. Yo me quedo con la familia, con la representación de la idea de familia que podemos ver. Cómo una persona puede sentir vergüenza de aquellos que le acompañaron en su vida, cómo un sentimiemto de rabia y dolor puede invadirle por creer y saber que no ha tenido una vida justa, que no debería haber tenido que soportar tantas cosas, que todo es demasiado duro y que eso no es lo que se merece. Y cómo al mismo tiempo puede sentirse culpable, por tener estos sentimientos, y destrozada, porque pese a todo y con todo quiere a su familia más que a nada.
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Moonlight

Drama
7.4

Moonlight Chiron es un joven afroamericano con una difícil infancia y adolescencia, que crece en una zona conflictiva de Miami. A medida que pasan los años, el joven se descubre a sí mismo intentando sobrevivir en diferentes situaciones. Durante todo ese tiempo, Chirón tendrá que hacer frente a la drogadicción de su madre y al violento ambiente de su colegio y su barrio. Moonlight Critica No se sabe si Barry Jenkins conocerá la castiza expresión "de noche, todos los gatos son pardos". Básicamente, tiene el mismo significado que cuenta Juan, el camello de buen corazón, cuando relata que una anciana le confundió en la noche con cualquier otro, porque todos los chicos eran iguales. Aquella anciana le llamó Blue, solo para sacarlo de ese todo uniforme, para reconocer su existencia. Y es que, efectivamente, en esta vida parece que todos somos iguales, y aún más, que debemos serlo. Pero Chiron, el protagonista de esta historia, no lo es. No se siente "normal" y no le hacen sentir "normal" (como si hubiera una definición concreta de esa palabra). Él es diferente, aunque no sepa por qué, pero así se siente. 'Moonlight' es el desarmante retrato de su crecimiento y madurez, lidiando con esa verdad, en un entorno que no le da ninguna oportunidad para expresarla. Ya en el primer capítulo (1. Pequeño) es el monstruo de Frankenstein particular de personas violentas e inmorales, tratando de conciliar en si mismo los pocos conceptos que es capaz de entender sin que nadie se lo diga. "Maricón", "droga", "raro"... son palabras que se escapan a su comprensión, que muchas veces se olvida que un niño no tiene que comprender a corta edad. A su alrededor, los adultos siempre le coartan o le echan en cara su silencio, desestimando enseguida su conversación, pero Juan es el único que quiere compartirlo: como aquella anciana que le hizo reconocerse, él quiere dar lo mismo que recibió. Para Chiron, la gente nombra las cosas, estableciendo lo que son, y teniendo él que nombrar de la misma manera esos sentimientos, verdades, conceptos, cuando está claro que no los percibe igual. En el segundo capítulo (2. Chiron) el desconcierto se mezcla con el voluble carácter adolescente. Un compañero le habla de una chica que se ha follado en la escalera, se lo cuenta con todo detalle, "pues para eso estamos los hombres". Vemos en la cara de Chiron, a través de la intrusiva cámara de Jenkins, que él no piensa de la misma manera, pero calla. Porque su instituto es un mundo de apariencias, de barreras que debes alzar para conseguir ser respetado, o en el caso de Chiron para evitar que te hagan daño. Una lección que él ha aprendido de una madre disminuida e histérica, cuyo único cariño aparece cuando tiene que pedirte algo. Sin embargo, Chiron no espera que esas apariencias estén tan presentes como para no tumbarse con una intimidad en la playa, o un cálido apretón de manos en la medianoche. Si lo pensamos bien, nadie lo espera en realidad, nadie nos dice que lo bueno nunca dura, que el peor golpe lo da el mejor amigo y que debemos ponernos la máscara de quien no somos para sobrevivir a lo que nos dicen que debemos ser. Es algo que aprendemos a golpes, físicos o morales, cuando nos miramos dolorosamente en un espejo y no queremos ser la persona que está al otro lado. Al tercer capítulo (3. Black), Chiron ha adoptado el apodo que le pusieron en su día. Como protección, como costra musculosa en su cuerpo, como un engaño que se ha visto obligado a aceptar para que le dejen en paz. Entonces llega una llamada, un sentimiento, lo único real que le pasó, hace tanto tiempo. No deja de ser curioso, que los que más daño hacen, son los que siempre decían querernos más. Parecería que todos llevamos esa máscara de lo que debíamos ser, y por algún estúpido motivo, nunca nos la quitamos. Hasta que es demasiado tarde, claro, eso siempre pasa. Una verdad dolorosa que establece 'Moonlight' es que nadie nos enseña a vivir la vida. Creemos que tenemos que hacer esto, intentamos adaptarnos... y rara vez nos damos cuenta de que lo que tenemos nunca es lo que quisimos. Nos convertimos en uno de esos que dictan qué es lo "normal" y rara vez nos salimos de ahí. Solo es más tarde, en un recuerdo, en una mirada... cuando podemos encontrar quiénes somos, cuando podemos romper el molde que no nos dejaba movernos Sí, de noche todos los gatos son pardos. Y vivimos sumidos en una larga y oscura noche. Pero eso no significa que nunca podamos salir de ella, si lo queremos lo suficiente.

El irlandés

Crimen Drama Historia
8

El irlandés Pennsylvania, 1956. Frank Sheeran, un veterano de guerra de origen irlandés que trabaja como camionero, conoce accidentalmente al mafioso Russell Bufalino. Una vez convertido en su hombre de confianza, Bufalino envía a Frank a Chicago con el encargo de ayudar a Jimmy Hoffa, un poderoso líder sindical relacionado con el crimen organizado, con quien Frank mantendrá una estrecha amistad durante casi veinte años. El irlandés Critica   ..escribir que acabo de contemplar una obra maestra, una despedida a lo grande del legendario director Martin Scorsese, que 'El irlandés' merece ser incluida en el olimpo del cine de gangster junto a películas como 'El padrino', 'Érase una vez en América', 'Uno de los nuestros, 'Casino'...pero no. Los aficionados al cine tenemos una tendencia natural a glorificar a nuestras leyendas, a aplaudir y elevar a lo más alto del séptimo arte aquellas películas dirigidas o interpretadas por grandes artistas que años atrás nos emocionaron de manera auténtica, es decir...Por lo que eran, no por lo que fueron. Tiene perfecta explicación puesto que el nivel artístico del cine ha ido bajando progresivamente y esto ha provocado que nuestra exigencia también haya descendido a la par. Debo confirmar que soy un enamorado del cine de Scorsese y que, junto a Billy Wilder y Woody Allen, está en mi lista de directores favoritos, un genio que ha creado un buen número de obras maestras entre las cuáles no me canso de visionar 'Toro Salvaje', 'Jo que noche', 'Uno de los nuestros', 'Casino' y 'El lobo de Wall Street'. Respecto a Robert de Niro y Al Pacino no citaré el largo listado de peliculones en los que han intervenido pero sí diré que me parecen grandes actores a los que siempre he admirado, especialmente en su etapa temprana donde estaban despejados de histrionismos y sobreactuaciones. Llevaba meses esperando ver esta película, la reunión de ese maravilloso elenco me tenía entusiasmado, deseaba poder ver un cierre perfecto a la trilogía de la mafia de Scorsese, decir que es de los pocos genios que se han podido despedir del cine con una auténtica obra maestra (solo me viene a la cabeza Sergio Leone) pero considero que el tiempo, tema central de la película, al igual que es cruel con todos nosotros, también lo es con las leyendas que tanto adoramos. Siendo más preciso, tengo un importante problema de credibilidad con los personajes que interpretan nuestros famosos actores. Pese a que el rejuvenecimiento facial digital considero que está bastante logrado, me resulta muy chocante los movimientos lentos y torpes que arrastran durante todas las décadas, especialmente en el caso de De Niro. ¿Algo puramente estético o superficial me pueden decir algunos? Para mí el actor debe adaptarse al físico que requiere el personaje y no al revés. De ahí que me resulte ridícula (con sonrisa involuntaria incluida) la escena en la que Frank le da una paliza al frutero: son los movimientos de una persona de 80 años, clarísimamente. Sin embargo, cuando De Niro interpreta aquellos pasajes de su etapa más adulta, todo resulta más natural y emotivo. Estos saltos en el tiempo son continuos y, desde mi perspectiva, crea una obra bastante irregular entre momentos auténticos y otros forzados antinaturalmente. Después de este importante problema de verosimilitud e intentando analizar la obra desde la razón, como si jamás hubiese visto una película de ninguno de los artistas implicados, tampoco me atrevería a decir que el guion, la historia o la banda sonora me han fascinado desde el minuto uno. Respecto al guion y al contrario de algunas de las críticas que lo han equiparado a las charlas mafiosas de otras películas del director, no recuerdo ningún pasaje especialmente interesante o digno de mención. Los temas que aparecen en la historia son la amistad traicionada, el sentimiento de culpa, la búsqueda de la redención o la vejez pero el punto de vista empleado en cada uno de ellos no me ha llevado a una nueva reflexión en ninguno de dichos apartados (como aventuraban varias críticas). ¿La banda sonora? 'In the Still of the night' al principio y al final.

Al filo de los diecisiete

Comedia Drama
7.2

Al filo de los diecisiete Dos estudiantes de instituto que son las mejores amigas ven cómo su amistad se tambalea cuando una comienza a salir con el hermano mayor de la otra. Al filo de los diecisiete Critica "Ya lo entenderás cuando tengas pareja". Quién no ha recibido, de parte de un amigo o amiga, esa incómoda contestación. Trazando de repente una línea que no estaba ahí, que parecería que nunca iba a estar ahí, porque se piensa que los amigos son los únicos que nos van a comprender siempre. La adolescencia, a fin de cuentas, es una época de incomprensión, pero nadie la espera de los que nos han acompañado desde que estábamos en la guardería, y es algo que pasa más a menudo de lo que el cine le ha dado por representar. 'The Edge of Seventeen' se centra justo en ese incómodo momento, en lo que al principio parecería otra historia de "chica contra el mundo" tan habitual de las novelas 'young adult', pero que pronto se desvela una experiencia penosa, impulsiva... y desafortunadamente inevitable, porque viene de serie con la edad. La diferencia está en que, si bien dichas novelas camuflan la angustia adolescente de locura agradable y conflictos intrascendentes, en esta película hay rabia, tristeza y el punto justo de humor negro: el mismo que le hace afirmar a Nadine con total seriedad que le gustaría suicidarse, mientras su magnífico profesor interpretado por el Woody Harrelson más contenido levanta una ceja ante el cansinismo de la muchacha. Nada más empezar, Nadine nos relata su vida escolar, marcada por el éxito social de su hermano Darian y su única amistad con Krista, en lo que viene siendo el habitual recorrido que todos hemos pasado: ese limbo indefinido entre la primaria y la secundaria, donde el sexo opuesto no existe y los amigos son los cómplices eternos de lo que hoy juzgaríamos auténticas chorradas. Sin embargo, la atracción sucede, y la gente se empieza a emparejar en algún momento, hasta que sin saber cómo Krista descubre que le gusta pasar más tiempo con un chico antes que con Nadine. Para esta última, entonces, todo pasará a ser "¡sacrilegio! ¡traición!"... intentando ignorar esa pequeña, diminuta pregunta en la parte posterior de su cabeza que le dice... "¿madurez?" Todo puede parecer algo que ya hemos visto, en verdad. Pero las actuaciones, las elecciones musicales (desde Aimee Mann a Fall on your Sword), el tono... desprenden comprensión del drama juvenil, nunca desprecio disfrazado de humor. No verás a Nadine histérica, convertida en la heroína de su propia historia, donde todos son tontos menos ella. Al contrario, la ves siendo una estúpida, sola y enfurruñada, las más de las veces por errores que ella misma ha precipitado. Y tampoco dejarás de comprenderla: de alguna manera, 'The Edge of Seventeen' se las apaña para acercarse a la adolescencia mirando a un mismo nivel, nunca por encima del hombro. Por el camino, muchos pequeños grandes momentos, la clase de cosas que dejan huella, como silencios compartidos donde no hay nada que decir, inseguridades que salen a la luz cuando se intentan quitar importancia, y una escena, la clase de escena de la que en otra película se hablarían maravillas, pero que aquí puesta parece que merece menos reconocimiento, cuando no debería ser así: Nadine pasando en un mismo monólogo de niña a mujer, excelente gestión emocional de Hailee Steinfeld mediante. Qué jodido es pasar la adolescencia. Pero jodido de verdad: es casi un salto de fe decir a todos los que te quieren que estás bien, que estás trabajando en ello, que podrás hacerlo, mientras a la vez intentas alejarles para que no te vean como la masa caótica de miedos que eres, en lugar de la persona que te gustaría ser. Pero todo pasa, todo llega. El mérito de esta película es reconocerlo, no ocultarlo ni dulcificarlo.

Marvel's Luke Cage

Action & Adventure Drama Sci-Fi & Fantasy
6.9

Marvel's Luke Cage Como consecuencia de un experimento fallido, Luke Cage (Mike Colter) ha desarrollado una piel indestructible y una fuerza sobrehumana. Ahora es un fugitivo que intenta rehacer su vida en el barrio neoyorquino de Harlem. Pronto se verá obligado a salir de la sombra, luchar por su ciudad y afrontar un pasado que quería enterrar. Marvel's Luke Cage Critica 'Luke Cage' es la serie más light y más prescindible hasta ahora del pack Netflix-Marvel. En la cima está 'Daredevil', imprescindible para los amantes de la acción en general y los superhéroes en particular, un soplo de aire fresco al género y uno de los estandartes de la cadena. Detrás, bastante más atrás, está 'Jessica Jones', con notables cualidades, original concepto pero con una irregularidad que hace que pierda enteros en el recuerdo. Y aún más detrás, la que nos ocupa. Voy a intentar explicar y resumir por qué, en mi opinión, claro. 'Luke Cage' se deja ver, y en conceptos generales, y como prácticamente todo lo que hace Netflix, está bien hecha, no se puede decir que es una serie mala, pero en una segunda época dorada de las series donde como hace una década vuelve a haber mucho y bueno, hay que elegir que ver y en una lista de, ya sólo entrando en estrenos de 2016, seguramente no estaría ni entre las 10 primeras. A su favor tiene toda la atmósfera de Harlem, su gente, su música, los intereses y conflictos policiales y políticos. Pero si por ejemplo, este año te has visto también 'The Get Down' (también de Netflix), es como si pasas de 'El Padrino' a 'Gangster Squad' o de jabugo a jamón serrano de Carrefour, que no es malo, pero... . Y Luke Cage, como personaje, ya en Jessica Jones se vio sin excesivo carisma, que no acababa de parecer necesario darle una serie propia. Algunos mamporros y levantamientos de enemigos al aire, mucho usar "tomar un café" como seudónimo de follar, mucha sudadera agujereada y poco más. Los que le acompañan en el reparto tampoco hay ninguno que coja los mandos interpretativos de la serie y ninguno de los villanos le llega a la suela de los zapatos a los de 'Daredevil' ni al de 'Jessica Jones'. Quizá el mayor fallo de la serie es creerse más profunda de lo que es para luego, encima, acabar con una torpe ejecución. Mahershala Ali es un villano menor, en el papel de Cottonmouth. Te venden en los flashbacks que era un niño virtuoso con el piano que no quería ser criminal, que aún hoy en día le tiemblan las manos cogiendo una pistola y de repente se vuelve un asesino despiedado que se descojona vivo. La hermana (más que correcta la actuación de Alfre Woodard) por su contra va de puritana pero en el fondo vemos que desde pequeña le gusta el poder y matar aunque su cambio resulta, de nuevo, bipolar y antinatural. El propio protagonista igual te dice en una frase que quiere pasar desapercibido y que va a huir del planeta porque uno que ha visto ha podido reconocerlo viéndolo de lejos y de lado, que un minuto después de pone a para descubierta en medio de la calle a parar balas y correr por la calle gritando "soy Luke Cage niggas!!". Y ya no entremos al "estoy aún guardando el luto a mi ex muerta" pero luego tirarle (sin excesivo éxito) los trastos a todo lo que se menea. Que por todo lo que sucede, das por hecho que la serie está ambientada antes de Jessica Jones, pero por detalles (como que mencionen el disparo a bocajarro de la escopeta) ves que no, que es después, lo cual despierta aún más dudas, sensación de ilógica y de ir un poco a salto de mata. De hecho, la serie en general da la sensación de ir en servicio de algunos giros, de algunos conceptos de la trama que quiere explicar y resaltar y que por el trayecto hay detalles más hilados. Hay cosas, que directamente son hilarantes, comedia involuntaria y grandes "WTF!". La aparición repentina del misterioso 'Diamondback' es una bala fatalmente gastada, la relación con Luke daba para muchísimo más y escenas como "vamos a curar a Luke" protagonizada por la groupie de los superhéroes Rosario Dawson, hará, ya no sólo que llores de risa, sino que los experimentos que haces tú en una boda con las sobras que te quedan de comida y bebida, sean ciencia avanzada. La serie daba más para algo mucho más desenfadado, entretenido y sus momentos puntuales de acción e incluso comedia (cuando lo busca puntualmente, la involuntaria no la cuento) funcionan y su reparto, aunque las comparaciones sean odiosas y más con las cara principales cumple en general. Pero la losa de los trabajos anteriores pesa y el esfuerzo por darle una complejidad que no cuaja, la deja en tierra de nadie, sin gran personalidad.

La librería

Drama Romance
6.6

La librería En un pequeño pueblo de la Inglaterra de 1959, una mujer decide, en contra de la educada pero implacable oposición vecinal, abrir la primera librería que haya habido nunca en esa zona. La librería Critica Así lo sentí nada más salir de la sala de cine. A priori, una película con elementos que me gustan: la temática, la ambientación, los actores y las actrices. Lamentablemente, bastan cinco minutos para que la decepción empiece a asomar la colita. Quieres pensar que no, que todo va a remontar según avance la trama y la relación entre los personajes se afiance, pero es un aspecto que nunca llega a producirse. Desde mi punto de vista, la película fracasa en el montaje, en la dirección de actores, en la interpretación, en el guion y por un abuso constante de la voz en off. Todo ello da como resultado lo peor que puede ocurrir en el cine: que nada te emocione, que nada te conmueva. El montaje se siente deslabazado sin que haya un sensación de conexión entres escenas y cambios de escena. La falta de ritmo es constante y la estupenda fotografía se queda en eso, en bellas estampas sin solución de continuidad. A esto se le suman las continuas, innecesarias e idénticas gesticulaciones faciales de Mortimer que utiliza en todo momento para toda clase de emociones a quien se le suma un James Lance sobreactuadísimo (el nihilista Mr Thorne) que produce extrañeza y sonrojo en cada escena por su aparatosidad gestual más que ser seña de personalidad. La niña, Honor Kneafsey, sientes en todo momento que está desaprovechada, al igual que Bill Nighy y Patricia Clarkson, dos estupendos profesionales. De los más secundarios y terciarios mejor no hablar. Porque el guion también va a saltos en ese afán de soltar frases lapidarias. No funcionan en casi ninguna ocasión entre casi ningún personaje, y así poco se puede hacer. Al no tener un montaje adecuado ni un guion que defina personajes (además de la cargante voz en off), las interpretaciones fracasan, los sentimientos no llegan. Y el problema es que quieres emocionarte, empatizar, pero es imposible. No entiendes por qué adjudican a la protagonista el adjetivo "coraje" (tienes que adivinar que simplemente por el hecho de abrir una tienda y no hacer caso de la rica del pueblo que está acostumbrada a hacer lo que le viene en gana ya es muy valiente, aunque no haga nada más y luego el coraje brille por su ausencia cuando tiene que luchar de verdad), por qué la mala es tan mala (sí, hace lo que quiere... pero para abrir un centro cultural, carajo, que no va a abrir una tienda de ropa. Además, apenas aparece en la película), por qué se llevan tan bien Nighy y Mortimer hasta el punto del enamoramiento si la relación no está construida bajo ese prisma. Termina la película de una forma incendiaria pero la apatía se ha instalado en mí y ya ni siquiera ese último gesto de resistencia llega al corazón, porque de nuevo ahí está esa voz en off que te dice lo que tienes que sentir, la moraleja.

Sansón

Acción Aventura Drama
5.3

Sansón Elegido. Traicionado. Redimido. “Sansón” se basa en la poderosa epopeya bíblica de un hombre elegido por Dios para liberar a Israel. Su fuerza sobrenatural y sus audaces decisiones lo enfrentaron enseguida contra el fiero imperio filisteo. Un viaje de pasión, traición y redención, que nos recuerda que los fracasos no determinan nuestro futuro. Sansón Critica Falta de todo en esta película. Entiendo que es una de las más fieles a las Sagradas Escrituras, concretamente al libro de los Jueces, pero para ser una cinta de serie B goza de una severa carencia, no solo de medios, sino también y principalmente de buenas interpretaciones, con actores tan otrara medio decentes como Billy Zane o Rutger Hauer devenidos a meras caricaturas con un guión que se compone de frases tan cortas y predecibles como los efectos que no están, y con personajes inventados y ridículos que dan pena cuando el cartón piedra empieza a caerles encima. Esta película es carne de cañon para el DVD de desesperados que se conformen con tirar su dinero. Una mezcla entre parodia de héroe de Marvel, de Conan, de Rey Escorpión y de Jerónimo es lo que es este Sansón. Y es que esta cinta en la que Jackson Rathbone (el vampirito marciano de "Crepúsculo") al que alguna descarga en la cabeza como un rayo, o algunas setas alucinógenas le han hecho aceptar el papel de un príncipe filisteo llamado Halla no es nada comparada con la patética Dalila compuesta por Caitlin Leahy, el verdadero amor de Sansón, la mujer por la que se supone que lo hubiera dado todo, más que por aquella insignficante mujer de Timná con la que se casa. Es una Dalila de la que Sansón se enamora después de que ella se pusiera de rodillas durante más o menos una semana para él la aceptara. Lamentable e inconcebible. Dalila es la gran mujer fatal, la villana. En otras películas sintiendo o no amor verdadero, siempre mantenía su altanera conducta, pero aquí frente al Sansón de Taylor James y su pétrea actuación no consiguen que salte ni la más mínima chispa. Y es que el guión es insufrible, y estos señores no tienen ni la más mínima idea de actuar. Ni la cara de Neardenthal de este Sansón que parece que le tiene asco a la Dalila más fea e inútil de la historia del cine consigue desbancar a la única escena decente la famosa pelea de Sansón con la quijada del asno contra más de mil filisteos. Todos los acontecimientos pasan tan de repente que no te da tiempo a saborear nada de lo que ocurre. Tiempo perdido en el primer acto con Sansón muriéndose de amor por su primera esposa, y villanos tan malos que recuerda esto a las secuelas de "Dragonheart" y las del "Rey Escorpión" , con mujeres florero que tienen la actuación de una estatua sin alma, con ese Billy Zane queriendo dar miedo en el peor papel de su carrera, y ese Sansón con músculos y sin cerebro que es incapaz de hacernos sentir fe, esperanza, amor, pasión o no tiene la más mínima idea de transmitirlo. Este Sansón casi dan ganas de mandarlo con los Vengadores, ni Superman podría con él. La falta de rigor histórico es otra falta frecuente, con el empleo de utensilios, ropas y sobretodo extraños estilos personales que nunca serían de ese período. La mejor adaptación de Sansón y Dalila es la de Eric Thal y Elizabeth Hurley de los noventa. Si estás leyendo esto ni te lo pienses y ve a ver la otra, donde a Sansón por lo menos se le puede tomar un poco en serio siquiera como un personaje de la Biblia, un hombre con dolor, con fe, con lucha interior, desgarrado, ni siendo un haragán libidinoso que tiene superpoderes y que golpea a los hombres que milagrosamente caen al suelo como aquí antes de que los golpee en una coreografía lastimera y pesada. Ha sido una tortura mental después de tanto bombo y platillo. En esta nueva peli de Sansón no hay chispa, ni está bien documentada, los actores son lo peor de esta industria (sino echar un vistazo a las GRANDES filmografías de este Sansón estrecho y esta Dalila fea y datilera), no hay dinero para pagar a extras decentes, ni villanos creíbles. Solo hay un grupo de personas que se llaman actores a si mismos y que hablan sin gesticular, sin llorar, sin desgarrarse, sin actuar prácticamente, les ponen ropa bonita y abren la boca. Hasta Dios siente pena por ésto. Y lo peor es que Sansón es como la primera de una saga de películas ridículas de serie B que se aproxima dando su final el lugar a otra de "David". Sacrilegio.